GEMÄLDE ONLINE | GALERIE FÜR ALTE UND ZEITGENÖSSISCHE KUNST

Die Predigt des Täufers

Öl auf Leinwand. Das Gemälde lässt sich auf die Sphäre von Pier Francesco Mola, genannt Ticinese, zurückführen, einem im 17. Jahrhundert in Italien tätigen Maler, dessen Schaffen mindestens zwei Gemälde mit dem gleichen Thema umfasst (in der National Gallery in London und im Thyssen-Museum). Bornemisza-Stiftung in Lugano). In diesen Werken von Mola, der bis dahin hauptsächlich Landschaftsmaler war, begann die menschliche Figur in Bezug auf die Landschaft eine vorrangige Rolle einzunehmen, aber die Aufmerksamkeit für das naturalistische Element blieb während des gesamten Schaffens dieses Künstlers, der immer nach einem suchte, stets lebendig richtige Beziehung zwischen den Figuren und dem Hintergrund. Dieses Gleichgewicht findet sich in der hier präsentierten Arbeit wieder: Die Figuren sind in der Landschaft platziert, gut in Räumen und auf verschiedenen Tiefenebenen verteilt und interagieren mit den naturalistischen Elementen. Die Figur des Täufers sitzt auf einem isolierten und kargen Felsen; Die Menschenmenge, die dem Propheten zuhört, ist im Vordergrund halbkreisförmig angeordnet, von hinten oder im Profil, und verschmilzt fast mit einigen kahlen Bäumen und der spärlichen und dürftigen Vegetation um sie herum; In der Ferne, rechts und vom Täufer angedeutet, rückt Christus vor, eine schattierte und blaue Gestalt in der ebenso schattierten und blauen Landschaft. Das Ende des 19. Jahrhunderts restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf Kupfer. Französische Schule des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts. Es bietet einen großen und hellen Blick auf einen Küstenabschnitt, der von verschiedenen Booten belebt wird, einige kleine Segelschiffe, die vor der Küste vertäut sind, kleine Boote, die das Ufer erreichen, und im Vordergrund am Strand einen in Reparatur befindlichen Rumpf; im Hintergrund die Stadt, deren weiße Häuser zusammen mit der mediterranen Vegetation an eine Südküste erinnern. Das Werk wird in einem Rahmen im Stil der Mitte des 20. Jahrhunderts präsentiert.

Ohne Titel 1974

Tempera, weiße Mine und Conté-Bleistift auf Papier mit Wasserzeichen. Mit Authentifizierung auf Foto aus dem Archiv Fausto Melotti.

Tempera auf Holz mit weiblicher Halbfigur; Sie trägt ein rotes Kleid über einer hellen Tunika, während ein grünes Tuch auf ihrer rechten Schulter ruht. Das rote Haar ist in einem Mittelscheitel gerafft und teilweise von einem weißen Kopfschmuck verdeckt; das volle gesicht hat einen versunkenen ausdruck: der nachdenkliche blick, die hochgezogenen augenbrauen und die leicht gerunzelten lippen. Präsentiert in einem Rahmen, der aus Teilen eines antiken Rahmens größerer Größe besteht.

Blick auf dem Berg

Öl auf Holzbrett. Unten rechts signiert. Der auf Landschaftsmalerei spezialisierte Maler Romeo Borgognoni stellte hauptsächlich Einblicke in die Landschaft von Pavia dar, in einem Stil, der zwar realistische Strenge aufweist, sich jedoch wegen seiner hellen und lebendigen Pinselstriche an den Impressionismus orientiert. Hier wird ein Alpenblick vorgeschlagen, mit Hütten im Vordergrund und dem schneebedeckten Massiv, das sich majestätisch im Hintergrund erhebt. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Stadtblick

Öl auf Holzbrett. Auf der Rückseite signiert. Riccardo Viriglio, ein Landschaftsmaler aus Pavia, porträtierte hauptsächlich Stadtansichten und Landschaftsansichten, insbesondere der Lombardei. Auch hier bietet sich der Blick auf einen Stadtplatz mit Portikus. Im stilvollen Rahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des 17. Jahrhunderts. Dargestellt ist eine biblische Episode aus dem Alten Testament: Susanna, die schöne und keusche Frau des reichen Juden Joachim, wird von zwei älteren Volksrichtern bedroht, während sie in ihrem Garten ein Bad nimmt. Das Thema wurde in der Kunst ausführlich behandelt. In diesem Gemälde steht die schöne Israelitin im Mittelpunkt der Szene: Links draußen in der Nähe eines Brunnens platziert, geschmückt mit der Statue eines Cherubs, der auf einem großen Fisch reitet, im Barockstil drückt die junge Frau in ihrem Blick Angst aus in der Geste des Arms, der versucht, die Nacktheit zu verdecken. Rechts tauchen mit lasziven Blicken die beiden alten Männer auf: Einer der beiden bittet die Frau mit einer Hand um Schweigen, mit der anderen überreicht er ihr ein reiches Diadem, mit dem er sie zu erkaufen versucht. Das Gemälde ist in seiner figurativen Komposition lebendig, mit wunderschönen Lichteffekten in den Farben des Teints und der Kleidung, mit Liebe zum Detail insbesondere in der Beschreibung der Juwelen (der Tiara und der Haarspange des Mädchens). Die Gesichter der beiden Männer tendieren zum Grotesken, der Ausdruck ist deutlich von Falten, großen Nasen und großen Augen geprägt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde zeigt ein Brustbild zweier Heiliger: jung und schön, die rechte trägt eine Krone auf dem Kopf, aber es gibt keine anderen ikonografischen Zeichen, die ihre Identifizierung ermöglichen. Über ihnen schwebt, umgeben von Licht, das Taubensymbol des Heiligen Geistes, auf das der Blick der Königin gerichtet ist, während die andere Frau demütig den Blick gesenkt hält. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Einblick ins Land mit Zahlen

Öl auf Holz. Unten links signiert. Vittore Antonio Cargnel, Vater von Lucio Cargnel, war hauptsächlich Landschaftsmaler und Autor insbesondere eindrucksvoller Ansichten von Treviso und aufregender Einblicke in sein Herkunftsland Friaul. Er gilt als Vertreter der intimen Landschaftsmalerei, denn er schafft es, Landschaften in der Unmittelbarkeit atmosphärischer Veränderungen einzufrieren, oft auf kleinen Tafeln, um den Moment eines bestimmten Lichtzustands nicht zu verpassen, der für den beim Künstler hervorgerufenen Eindruck verantwortlich ist. Bei diesem Blick auf die Stadt fällt der leuchtende Kontrast zwischen dem Platz auf, der immer noch vom Grau des Regens dominiert wird und durch die Regenschirme der Passanten hervorgehoben wird – Figuren, die nur undeutliche Flecken, neutrale Elemente der Landschaft sind – und dem Licht, das , der durch die Wolken schneidet, beleuchtet und färbt die Dächer der Gebäude. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Szene erzählt die biblische Episode des Buches Exodus, in der der kleine Moses, den seine Mutter in einem Korb dem Fluss anvertraut hatte, um ihn vor dem Massaker an den männlichen israelischen Kindern zu retten (auf Befehl des Pharaos von Ägypten, um die israelische Bevölkerung zu verhindern). wurde zu zahlreich und konnte sich gegen die Sklaverei auflehnen), wurde er von einer Magd der Tochter des Pharaos gefunden, die beschloss, ihn zu adoptieren und ihn zu retten. Die am Flussufer angesiedelte Szene wird vollständig von den weiblichen Figuren des fürstlichen Gefolges eingenommen, die zusammengedrängt sind und in die untere rechte Ecke projiziert werden, wo der Korb mit dem Neugeborenen abgestellt ist. Alle Augen sind ebenfalls auf das Kind gerichtet, in die Richtung, die der ausgestreckte Arm der Frau im Vordergrund rechts anzeigt. Besonders hervorzuheben sind die runden weiblichen Formen, insbesondere die der drei Figuren im Vordergrund, deren Licht- und Schattenspiele den Teint hervorheben, der aus der Kleidung hervorgeht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Karton. Nicht identifizierte Unterschrift eines französischen Namens, unten rechts. Zahlreiche Figuren am Strand sind damit beschäftigt, die Fischerboote am Ufer zu ordnen, einige ziehen vielleicht eines davon auf Grund. Das Gemälde ist postimpressionistisch. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Süditalienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. In der charaktervollen Szene steht in der Mitte die Figur eines Anführers, die in den Details der Rüstung, des Wappens und der Anatomie gut definiert ist: Mit der Bewegung seiner Arme begleitet er wohlwollend einen knienden Mann, der Zusammen mit seinem Begleiter huldigt er einem Kaiser, deutet jedoch mit ausgestreckter Hand auf die Gruppe von sechs Kindern, die rechts von den Soldaten zurückgehalten werden. Der Kaiser ist links vom Thron gestiegen und geht dem niedergestreckten Paar entgegen, aber auch er scheint sich fast in einer Haltung der Ehrfurcht gegenüber dem zentralen Anführer zu befinden. Die Szene scheint sich auf eine historische Gnadenepisode eines Anführers zu beziehen, bei dem es sich aufgrund seines Alters, seiner Gesichtszüge und der Art der Rüstung um Alexander den Großen handeln könnte, eine Figur, die jedoch nur schwer mit der anderen mit Lorbeer gekrönten Figur in Einklang gebracht werden kann , der im prächtigen Palast vom Thron herabsteigt. Es ist daher nicht möglich, die Bezugsepisode (historisch oder legendär?) genau zu identifizieren. Darüber hinaus wird der kompositorische Reichtum der Szene gewürdigt, wobei zahlreiche detaillierte Figuren und leuchtende Farben ihre Dynamik unterstreichen. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Jagdszene

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule des 18. Jahrhunderts. Die große Szene in einer nordischen Landschaft mit dichter Vegetation unter undurchdringlichen blauen Gipfeln stellt den Höhepunkt einer Rehkitzjagd dar: Der Ritter, der den oberen Teil der Szene einnimmt, spießt verängstigt und niedergeschlagen die Beute auf in Qual; Rundherum nimmt das Hunderudel teil und rennt um den Reiter und die Beute herum. Unter allen sticht der Hund in der Mitte unten hervor, der einzige mit hellem Fell: Die intensive Helligkeit, die er ausstrahlt und die die präzise Gestaltung seines Fells, die bewegten Muskeln, den erhabenen Ausdruck des Tieres hervorhebt, macht ihn aus Sie machen sie zum Protagonisten der Szene und lenken den Blick auf sich selbst, während alle anderen Figuren, einschließlich des Ritters, zum Umriss werden, genau und präzise, ​​aber nicht zum Protagonisten. Es ist gerade die Genauigkeit bei der Bemalung der Tiere, die das Werk in die Nähe des Schaffens von Philip Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli, rückt: Ursprünglich aus Frankfurt stammend, dann nach Rom gezogen, wo er bis zu seinem Tod blieb, war dieser Künstler oben sehr aktiv alles als Tiermaler, im Vordergrund vor Landschaftshintergründen aufgenommen und mit satten Farben und intensiven Lichteffekten ausgeführt. Der große Erfolg, den er hatte, und die daraus resultierende sehr große Produktion (manchmal zu Lasten der Qualität der Werke) rechtfertigen die häufige Zuschreibung von Werken, deren Thema und Bildtechnik ihm nahe stehen, wie das hier vorgestellte, an diesen Maler. was jedoch nicht dokumentiert und validiert ist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Skizze einer Tür 1982

Bronze, Wachsausschmelzguss. Unten signiert und datiert. Auf der Rückseite befindet sich der Stempel des Künstlers, handsigniert, sowie ein Etikett mit den Daten des Werkes, das nur in zwei Exemplaren herausgegeben wurde. Silvana Maisao, eine genuesische Künstlerin und Schülerin von Edoardo Alfieri, hat mehrere Skizzen für Türen erstellt.

Blick ins Grüne

Öl auf Karton. Unten rechts signiert. Mario Acerbi, Sohn des Pavia-Malers Ezechiele, widmete sich einer realistischen Malerei impressionistischen Ursprungs, in der die Farbe die Hauptrolle spielt, verbunden mit einer geschickten Fähigkeit, Licht zu modulieren. Seine Landschaftsproduktion konzentriert sich wie die seines Vaters vor allem auf die Stadt und das Land von Pavia, seine Herkunfts- und Lebensorte. Das Gemälde wird in einem Rahmen präsentiert.

Landschaft mit Hirten und Ruinen

Öl auf dem Tisch. Unten rechts signiert. Antonio Oberto, ein postimpressionistischer Maler aus Pavia, widmete sich der Landschaftsmalerei, aber auch der Dekoration öffentlicher Gebäude seiner Stadt. Er schlug hauptsächlich Ansichten von Pavia und der Pavia-Landschaft entlang des Tessins vor, die mit schnellen Pinselstrichen im Stil des späten 19. Jahrhunderts dargestellt wurden. Hier wird eine große Landschaft entlang des Flusses vorgeschlagen, genau das Tessin in seinem flachen Abschnitt, genau diejenige, die an die Stadt Pavia grenzt; im Vordergrund, rechts die Reste neoklassizistischer Bauten, links zwei Hirten mit ihrer Herde. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Blick auf Venedig

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts signiert. Es sind mehrere venezianische Ansichten dieses englischen Künstlers bekannt, darunter Ansichten des Canal Grande, bevölkert von Booten mit orangefarbenen dreieckigen Segeln; Es dominieren pastellfarbene, zarte und helle Farbtöne. Das Werk wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.