SELEKTIONIERTE KUNST

Pier 12, 2014

Ölgemälde auf Leinwand. Unterschrift und Datum in der unteren rechten Ecke. Weitere Signatur und Titel auf der Rückseite. Alessandro Papetti wurde in Mailand geboren und studierte dort, wo er derzeit arbeitet. Er begann in den 80er Jahren, seine Werke auszustellen. Er stellt sowohl in italienischen als auch in ausländischen Galerien, in Europa und in den Vereinigten Staaten aus. Seit 1995 arbeitet er zwischen Mailand und Paris. Papettis künstlerische Produktion gliedert sich in Hauptthemen: Er malte in den 80er und 90er Jahren eine Reihe von Porträts, dann widmete er sich den Funden, der Industriearchäologie und dem Wasserkreislauf des 21. Jahrhunderts. Zuletzt malte er Landschaften, Innenräume und eine Reihe von Werften. Dieses Gemälde gehört zu den letzten Werken. Industriehäfen, große Boote und Schiffe, dargestellt in ihrer Größe und Zerbrechlichkeit mit hektischen und matschigen Pinselstrichen. Präsentiert im Rahmen.

Die verleugnung Petrus

Öl auf Holz Eiche, eine bedeutende historische Sammlung aus. Die Sammlung wurde von einem Vorfahren der Familie begonnen, der in Wien im Jahre 1798 und dann in Würzburg bis 1813, als Fellow-Exil von Ferdinand III., Großherzog der Toskana war. Die Sammlung zog daraufhin zu seiner festen Standort in Florenz mit dem Sturz Napoleons, und die Bedeutung davon, die wir versuchen durch Kopieren eines Inventars in 1881 zusammengestellt. Hausnummer 14 (entsprechend auf das Schriftfeld vorhanden auf Rückseite Tabelle angegebene) haben wir den Compiler Beschreibung: "... Holz der Fuß zwei und vier und einen halben Zoll lang und einen halben, einen Fuß und 8 Zoll groß, Vertretung der Petrus Jesus Christus an die holde Maid in Anne zu leugnen. Sie sehen den Retter aus der Ferne vorgetragen, dass Papst zu untersuchenden, inmitten vieler Gesindel und Soldaten ". 60 Jahre wurde eine erste Zuordnung zu Bruegel verweigert und Francken zugeschrieben. Die Zusammensetzung war offenbar erfolgreich, da gibt es andere Versionen des Workshops (siehe z.B. eine Öl auf Kupfer den gleichen Gegenstand und scheute die Auktion Koller auf 18.09.2015 Größe). Präsentiert in Vintage-Rahmen nachgerüstet.

Tempera auf Papier, auf Hartfaserplatte aufgetragen. Die abgebildete biblische Episode, die im Buch Exodus erzählt wird, erzählt, wie der junge Moses, der sich noch am Hof des ägyptischen Pharaos befindet, die sieben jungen Töchter des Priesters Jetro verteidigt, die von einigen Hirten der Midianiter belästigt werden, während sie Wasser aus dem Wasser ziehen Gut. Nach dieser Intervention wird Moses als Frau eine der Töchter von Jetro, Sefora, empfangen. Das in der Kunst weithin neu vorgeschlagene Thema wird hier unter besonderer Berücksichtigung der Porträtkomponente vorgestellt, wobei die Ausdrucksmerkmale der Figuren sowohl in den Gesichtern als auch in den Posen besonders verschärft werden. Die Szene ist sehr lebhaft, mit der Figur von Moses in der Mitte, kräftig und kämpferisch, der das Feld in zwei Teile teilt: zu seiner Linken die sieben Mädchen, die jeweils durch ein anderes Verhalten gekennzeichnet sind; rechts die bedeutungsvollen Hirten, die den Zorn Moses erleiden. Im Hintergrund eine für Produktionen des 18. Jahrhunderts typische Landschaft mit einer architektonischen Ruine hinter dem Brunnen. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Lombardische Schule. Das Gemälde zeigt im Vordergrund links im Schatten von Laubbäumen die beiden Heiligen auf Felsen sitzend, die sich ein Brot teilen; St. Paulus traditionell in Tierfelle gekleidet, St. Antonius der Abt mit dem Ordensgewand und dem Gebetbuch in der Hand. Die beiden Heiligen wurden oft zusammen dargestellt, weil sie viele Gemeinsamkeiten haben: Beide lebten im dritten Jahrhundert, beide Ägypter, sehr jung, ließen all ihren Besitz zurück, um sich einem Leben in völliger Einsamkeit, einem Leben in Gebet und Armut zu widmen. Sant'Antonio Abate war einer der berühmtesten Einsiedler in der Geschichte der Kirche. Auch der heilige Paulus der Einsiedler lebte sein ganzes Leben in der Wüste in völliger Einsamkeit, so die hagiographische Erzählung, nur von dem Brot gespeist, das ihm regelmäßig eine Krähe brachte. Als sich sein Tod näherte, besuchte ihn Sant'Antonio Abate, mit dem er dieses Brot teilte. Der Landschaftskontext bezieht sich in dieser Darstellung nicht auf die Wüstengebiete Ägyptens, sondern sie sind in eine nordische, alpine Landschaft eingebettet. Rechts eine Einsiedlerlandschaft, wenn auch grün und mit einem kleinen Bach unten rechts. Das bereits restaurierte und unterfütterte Gemälde weist eine sehr deutliche Kräuselung auf. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule. Es ist eine lustige allegorische Szene profaner Liebe, die zeigen soll, wie alle Menschen jeder sozialen Klasse und jeden Alters in die Falle des Verliebens geraten können. Auf dem Hintergrund der Leinwand befindet sich ein riesiges Keepnet, das Korbnetz, das bei einigen Arten des Fischfangs verwendet wird und über dessen Mund ein Putto-Geiger sitzt, der spielen will. Die Falle ist voller Paare, während eine Parade anderer an ihr vorbeigeht, um ihren Eingang zu erreichen. Unter ihnen sind Paare von älteren und jungen Menschen, Paare von Arm und Reich, Adlige, Bourgeois und Proletarier: Alle haben einen glücklichen und leichten Ausdruck, schauen sich verliebt an oder schauen freundlich auf das Glück anderer. Im Topf befinden sich sogar einige Royals, die in Merkmalen und Kleidung dem Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes, Giovanni Guglielmo aus der Pfalz-Neuburg und seiner zweiten Frau Anna Maria Luisa de'Medici entsprechen. Auf der Rückseite des Gemäldes befindet sich ein Etikett mit einer historischen Zuschreibung an Jan Frans Douven (1656-1727): Der niederländische Künstler, der ab 1682 als offizieller Maler am Hof des Pfälzer Kurfürsten des Rheinlandes nach Düsseldorf zog und hauptsächlich schuf Szenen des täglichen Lebens des Prinzen und seiner zweiten Frau. Das Etikett würde daher den Zuschreibungsbereich eines nordeuropäischen Künstlers aus dem 17.-18. Jahrhundert bestätigen. Das Gemälde stammt aus einer historischen Mailänder Sammlung. Es hat Spuren von Restaurationen und einen Patch. In einem stilvollen Rahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Es ist das stehende Porträt eines Mannes in Rüstung, in einer stolzen Haltung, fast in Bewegung, seine Hand ruht auf dem Griff seines Schwertes; oben links ein Wappen; unten rechts eine bemalte Kartusche mit einer langen lateinischen Schrift, die den Mann identifiziert. Er ist Bartolomeo III. Olevano, der zur mächtigen Familie der Olevano-Adligen gehört, Feudalherren zahlreicher Städte in Pavia und Lomellina (wo ihre Burg noch existiert), die bis zum 18. eine große Stimme in den Ereignissen von Pavia und seiner Landschaft hatten Jahrhundert. Bartolomeo III., Geboren 1512, widmete sich vierzig Jahre lang der Kriegskunst und führte zahlreiche und hoch angesehene Taten aus. Er war Präfekt von Mortara und Novara während der Herrschaft Karls V., des Soldatenmeisters und Botschafter Philipps II. Seine wichtigsten Errungenschaften sind in der Kartusche zusammengefasst: Eine Übersetzung des Textes liegt vor. Das abgebildete Wappen zeigt links den Olivenbaum, nach dem die Familie benannt wurde. Das Gemälde stammt aus einer bedeutenden lombardischen historischen Familiensammlung.

Belagerungsszene

Öl auf Leinwand. Außerhalb der Befestigungsanlagen einer Stadt ist ein Anführer, umgeben von seinen Soldaten, im Begriff, den Zünder der Kanone zu entzünden. Die Armee verteidigt die Zitadelle außerhalb der Mauern und die Soldaten scannen den Horizont nach unten: Das führt uns die Szene auf den Befestigungen der Stadt zu platzieren, insbesondere solche von Genua , dass Aufstieg auf den Bergen hinter und von denen die Genuesen die Stadt verteidigt vor Angriffen aus dem Meer; Die Lage in Genua wird durch das Banner, das über die Mauern weht, das Croce di San Giorgio (rotes Kreuz auf weißem Hintergrund) der Republik Genua, bestätigt. Die Form von Rüstung, Waffen und Kleidung würde auf die Belagerung von Genua im Jahr 1522 verweisen. Es handelt sich also um die Darstellung einer historischen Episode aus dem 19. der neue historische Roman von der Literatur vorgeschlagen. Auf der Rückseite des Rahmens steht der Name G. Boni, zusammen mit einer Zahl, die auf die Teilnahme an einer offiziellen Ausstellung hinweist. Giovanni Boni war ein Schüler der Brera-Akademie, insbesondere ein Anhänger von Giuseppe Sogni, einem Künstler, der zu den ersten bevorzugten historischen Gemälden in ihren innovativen romantischen Deklinationen gehörte. Über Boni ist nicht viel bekannt, weder aus biografischer Sicht noch aus seiner Produktion. Von seiner sicheren Zuschreibung kennen wir nur den Akt des Menschen (gemalte Akademie), mit dem er 1852 den ersten Preis für die Scuola del Nudo in Brera gewann. die Charaktere im Vordergrund sind in ihren Posen, Gesichtsausdrücken, in den Details der Kleidung und Waffen sehr gut charakterisiert, während die anderen Figuren in den Hintergrund treten und die Anwesenheit einer großen Armee andeuten. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigt kleine diffuse Farbtropfen. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitte 19. Jahrhundert. Die große Szene erzählt eine nicht identifizierte historische Episode, die in der Renaissancezeit spielt, in der ein Erzbischof die Bitte eines jungen Mannes in Waffen anhört, begleitet von seiner Mutter, die seine Bitte unterstützt. Die Kulisse befindet sich im Empfangssaal des Hochprälaten, vermutlich im Bischofspalast, der von der Loggia im Hintergrund den Dom überblickt, dessen Kuppel zu sehen ist; Der Bischof ist von seinen Untergebenen und Wachen umgeben, während verschiedene Leute des Volkes anwesend sind. Besonders ist die Anwesenheit des links im Vordergrund sitzenden Mannes, der zum Betrachter blickt und auf die Szene zeigt, als würde er sie erzählen. Die Atmosphäre wird durch die Kontraste zwischen Licht und Schatten gespielt, zwischen den leuchtenden Farben der dominierenden Charaktere im Vergleich zu den stumpfen und verschwommenen Tönen der umgebenden Figuren, die buchstäblich dazu neigen, an den Grenzen der Szene im Schatten zu verschwinden. Das Werk ist Teil dieser großen Produktion des 19. Jahrhunderts, die sich auf das historische oder literarische Thema stützte und es in einer romantischen Tonart neu vorschlug. Das restaurierte und doublierte Gemälde präsentiert sich in einem bedeutenden Rahmen aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit einigen Mängeln.

Ölgemälde auf Leinwand. Intensiv und von hoher Qualität zeigt das Gemälde einen Monarchen des königlichen Hauses von Schottland. Um das Porträt herum befinden sich in einem gemalten ovalen Rahmen einige Schriften: Oben links der Name Rober (t), unten links der Titel Rex und rechts die Abkürzung Scot, die für Scotorum steht; die Schrift rechts oben ist nicht identifizierbar, scheint aber ein Akronym zu sein. Der abgebildete Mann trägt einen Hut und eine Jacke, die mit Hermelinpelz verziert ist, der als der edelste Pelz gilt, der dem Königtum vorbehalten ist. Um den Hals trägt er einen goldenen Anhänger, der zwei Blätter mit der Frucht der Distel darstellt, die in der Heraldik Schottland symbolisiert. Die Schrift und der Anhänger beziehen sich daher auf einen Robert von Schottland, wahrscheinlich aus der Dynastie, die im 14. Jahrhundert regierte. Das Porträt wurde auch in der romantischen Periode des neunzehnten Jahrhunderts ausgeführt, wobei wahrscheinlich einige alte Stiche als Inspiration verwendet wurden. Restauriert und unterfüttert, präsentiert es sich in einem historischen Rahmen.

Flusslandschaft mit Hirtenkind und Herden

Öl auf Leinwand. Das Gemälde wird von der Expertise zweier Kunsthistoriker, Dr. Dario Succi und Dr. Federica Spadotto begleitet. Beide bestätigen die Zuschreibung des Gemäldes an Giuseppe Zais, "den Meister aus Belluno, der einstimmig als einer der originellsten und authentischsten Interpreten der großen Landschaftsmalerei des venezianischen 17. Jahrhunderts anerkannt wurde". In der Landschaft, unter den Zweigen eines Baumes, der die linke Seite umrahmt und vor dem Hintergrund blauer Berge, heben sich im Vordergrund eine Hirtin und ihr kleiner Sohn ab, die ihre Tiere (Schafe und Kühe) aus dem Fluss tränken. der Zais, nach einer ersten Ausbildung in seiner Heimat an der Schule seines Landsmanns Marco Ricci, der 1732 nach Venedig übersiedelte, wurde bald in die Riege der Lagunenlandschaftsarchitekten aufgenommen, geschätzt und für große Dekorationsarbeiten in den Palästen von die Stadt. In den 1970er Jahren gab der Zais diese Produktion auf und entschied sich, sich nur noch kleinen Werken zu widmen, die eine Verbundenheit mit der Welt des Bescheidenen und eine kontemplative Dimension der Vergangenheit widerspiegelten, die in den Gemälden wichtiger Kunden selten vorkommen. Die vorliegende Arbeit kann ein Beispiel dieser letzten Schaffensphase berücksichtigt werden, nach Kunsthistoriker in den 70er Jahren des achtzehnten Jahrhunderts: die Zais eine eher karge Vorberg Landschaft schlägt, wo die Schäferin von ihrem kleinen Sohn folgte dem ihre Zuordnung spielen, ohne jedes Zugeständnis an ein Schönheitsideal, sondern mit der Erinnerung an ein präzises, hartes, einfaches Leben, das aus Anstrengung und Zuneigung zugleich besteht. Schon die Farben der Leinwand verstärken die Empathie des Künstlers für die von ihm dargestellte Welt: Die warmen goldbraunen Töne der Landschaft, beleuchtet vom Blau der fernen Gipfel, die das des Himmels widerhallen, umhüllen die Menschen- und Tierfiguren im Vordergrund, die sie entstehen dank Material brushstrokes und heller , aber nicht helle Farben, vor allem im Vlies von Tieren und in Frauenkleidern. Das Besondere an den Zais sind auch die Gesichter, rund und voll, mit Zügen, die sich in den Bauernfiguren seiner Werke immer identisch wiederholen, verbunden mit gedrechselten Körpern, gekleidet in Kleidung, die wie Pappmaché aussieht. Das Werk weist Restaurierungsspuren auf, wenn auch noch auf der ersten Leinwand. Auf der Rückseite befindet sich eine Inschrift in deutscher Sprache mit dem Namen des Vorbesitzers und der Jahreszahl "Weihnachten 1977". Es wird in einem vergoldeten Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert, mit kleinen Rissen und Mängeln.

Lombardei, frühes 18. Jahrhundert

Skulptur eines barocken Engels mit einer Vase aus geschnitztem Lindenholz, der in einer späteren Zeit komplett schwarz bemalt wurde, Lombardei, frühes 18. Jahrhundert. Die Figur, gekleidet in ein mit Lambrequins verziertes Gewand, steht auf einem Sockel, der von vier wilden Füßen getragen wird. Die durchgeführten Verkostungen brachten die ursprünglichen Farben zum Vorschein.

Jesus vor Kaiphas

Ölgemälde auf Leinwand. Das Gemälde basiert auf dem Werk des niederländischen Meisters Gerrit Van Honthorst, das 1617 entstand und heute in der National Gallery in London aufbewahrt wird. Der gebürtige Niederländer van Honthorst kam kurz nach dem Tod von Caravaggio nach Rom, dessen Stil er assimilierte, was ihm den Spitznamen „Gherardo delle Notti“ einbrachte. In Rom war der Künstler bei der Familie Giustiniani zu Gast, die das Werk für seine Privatsammlung in Auftrag gab, wo es bis 1804 verblieb. Zunächst in die Sammlung Bonaparte nach Paris gebracht, gelangte es nach weiteren Besitzerwechseln schließlich 1922 nach London. Das Gemälde erzählt die dramatische Episode der Begegnung zwischen dem Priester Kaiphas und Jesus während seiner Hingabe. Der gesamte obere Teil ist von Dunkelheit eingenommen: Die Leere, das Nichts, lenkt die Aufmerksamkeit auf die beiden Protagonisten und auf das Drama, das sich entfaltet. Die Szene ist sehr statisch, fast eingefroren in einem präzisen Moment, der anklagenden Handlung des Priesters gegen Christus, was die Intensität des zutiefst schmerzhaften inneren Dramas unterstreicht. In der Szene sitzt Kaiphas links am Tisch, auf dem das Buch des jüdischen Gesetzes liegt, und hebt in anklagendem Ton den Finger; Jesus steht rechts, mit gefesselten Händen, in demütiger Haltung. In der Mitte eine Kerze, die einzige Lichtquelle, die als Bindeglied zwischen dem Gesicht von Kaiphas und dem von Jesus fungiert, die sich in einem Blickspiel entlang einer diagonalen Linie begegnen und deren Ausdruck durch das künstliche Licht gnadenlos unterstrichen wird. grotesker Kontrast und wütend das des Priesters, leidend, aber leuchtend und komponiert das von Christus. Im Hintergrund stehen hinter den beiden Protagonisten die Figuren weiterer Hohepriester. Sie sind nur Schatten in der Dunkelheit, die auf ihr Urteil warten, und ihre Gesichter sind in Dunkelheit gehüllt, was die Spannung erhöht. Im Kontrast von Licht und Schatten, in der Intensität der Blicke ist die Caravaggeske Prägung deutlich zu erkennen. Die hier vorgeschlagene Leinwand, etwa halb so groß wie das Original, aber treu in ihren stilistischen und interpretativen Formen, wurde wahrscheinlich in kleineren Größen von denen in Auftrag gegeben, die das Original im Palazzo Giustiniani geschätzt hatten. Es wurde im 19. Jahrhundert restauriert und neu ausgekleidet. Einige Namen sind auf der Rückseite geschrieben, was auf den Besitz hinweist. Stilrahmen.

Öl auf Leinwand. Der weite Blick auf die Kaiserforen in Rom ist ein Teil der weiten Landschaft Produktion der Grand Tour Zeit, die für wohlhabende Aristokraten europäischer Reisen nach Europa - und insbesondere in Italien, wo Rom ein Muss angesehen wurde - die eine Erinnerung an die wollte besuchte Orte. Die römischen Kaiserforen sind ein architektonischer Komplex, der aus einer Reihe von monumentalen Gebäuden und Plätzen besteht, dem Zentrum der politischen Aktivität im antiken Rom, das über einen Zeitraum von etwa 150 Jahren zwischen 46 v. und 113 n. Chr. Trotz der Erweiterungen, Brände, Restaurierungen und Rekonstruktionen behielten die Kaiserforen während der Antike sowohl ihre architektonische Gestalt als auch ihre Funktion intakt. Ihre fast endgültige Zerstörung erfolgte während der Renaissance durch Papst Julius II. (1503-1513), der das gesamte Gebiet als Steinbruch für Materialien nutzte, die für den von ihm initiierten Bau und die künstlerische Renovierung der Stadt wiederverwendet wurden. Die Proteste führender Künstler wie Raffael und Michelangelo nützten wenig. In den folgenden Jahrhunderten wurden verschiedene Ausgrabungskampagnen durchgeführt, mit größerer Intensität ab dem 19. Jahrhundert, aber das Gebiet wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts vollständig ausgegraben und die antike Architektur wurde fast vollständig gelöscht, um Platz für den Bau der Via dei Fori zu schaffen Imperiali, die Piazza Venezia mit dem Kolosseum verbindet. Wiederentdeckt wurde das Forum ab dem 16. Jahrhundert auch dank der römischen Aussichtsmaler, die damals gerne die im Weidegebiet auftauchenden Ruinen malten. Die hier vorgeschlagene Ansicht zeigt die Kaiserforen vor den im 19. Jahrhundert begonnenen Ausgrabungen, als die Straße, die sie noch immer durchquert, noch nicht gebaut war: Sie sind immer noch von grüner Landschaft umgeben und die römischen Hügel zeichnen sich im Hintergrund ab. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem umgebauten Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule. Die Darstellung der Geburt Christi wird hier als besinnlicher Moment des Heiligen Kindes gesehen, von Maria und Josef, begleitet von kleinen Engeln. Die malerischen Wege knüpfen an die weit verbreiteten Vorbilder an, beginnend bei Correggio, von Barocci, bis hin zu den zahlreichen Versionen von Gherardo delle notte oder dem flämischen Maler Gerard von Honthorst, Vertreter des Tenebrismus, einer Bildströmung, die mit starken Kontrasten der Dunkelheit spielte und Licht, hell und dunkel. Auch in dieser Arbeit erhellt das Licht des Jesuskindes die Gestalten um ihn herum und lässt sie aus der umgebenden Dunkelheit hervortreten. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Betrunkener Bacchus

Öl auf Leinwand. Signiert unten rechts. Der Gott ist auf der Szene stehend dargestellt, nur mit einem Tuch um die Lenden und mit Efeublättern auf den Hüften und auf dem Kopf bekleidet, während er in einer Hand einen Kelch hält; sein Blick ist leer und benommen. Hinter ihm spielt ein halb liegender Putto mit Efeu. Ringsherum sind weiße Wolken zu sehen, ebenso wie der Boden weiß ist, nur der blaue Himmel und ein grüner Busch bilden einen Kontrast. Auf der Rückseite des Werks befindet sich das Etikett "Mario Galli Collezione d'Arte" mit der Katalognummer 64 und der eigenhändigen Widmung des Künstlers. Das Werk ist ein gutes Beispiel für die Malerei dieses Künstlers, der in Modena geboren wurde, aber seine künstlerische Ausbildung zunächst in Rom und dann in Florenz absolvierte, wo er den größten Teil seines Lebens verbrachte. Die Einzigartigkeit des Künstlers liegt in seiner Fähigkeit, von historischen Themen, die oft im antiken Pompeji angesiedelt sind, zum Naturalismus des Macchiaioli-Stils seiner zweiten Periode überzugehen, in der Muzzioli nach einer bedeutenden Wahrnehmung der Atmosphäre und des Lichts in Themen suchte, die von der ländlichen Umgebung der Toskana inspiriert sind und oft in der Antike spielen. In diesem Werk, dem Porträt einer mythologischen Figur, kommt die luministische Absicht des Künstlers stark zum Ausdruck, die Suche nach der Wirkung des Lichts, das auf den nackten Körpern des Gottes und des Putto spielt und dann in den Hintergrund tritt. Das Etikett der Kunstgalerie verweist auf den Florentiner Mario Galli (1877-1946), einen Bildhauer, der auch ein bedeutender Sammler von Werken insbesondere von Macchiaioli war. Das Werk weist einen bedeutenden Riss auf und ist retuschiert worden. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Die Wanderer 1910

Öl auf Karton. Unten links befindet sich die handschriftliche Bezeichnung „Bozzetto per una copia“, mit der Unterschrift und dem Datum Weihnachten 1910; der Titel unten rechts. Es ist eine Skizze für eine Replik mit Variationen des gleichnamigen Gemäldes von Carena aus dem Jahr 1907, groß monumental (159 x 300 cm), das 1909 auf der Biennale in Venedig ausgestellt wurde und heute in den Städtischen Museen, Galerie für Moderne Kunst von Udine, aufbewahrt wird Bewegte Figuren erscheinen in der Arbeit, gerade von Wanderern, die die verschiedenen Kategorien der Menschheit repräsentieren, Männer und Frauen, Erwachsene und Kinder, Alt und Jung, aber alle reisen in die gleiche Richtung. Im Vergleich zum Original sind in dieser Skizze mit noch unbestimmten Gesichtszügen die Figuren in leicht veränderten Positionen platziert, wobei der in einen roten Umhang gehüllte junge Mann in der Mitte steht und der untere Teil sowie der Hintergrund fehlen. Die Farben sind fast grell, lebendig, mit schnellen Pinselstrichen verteilt und mit undefinierten Konturen. Das Gemälde gehört zu Carenas noch symbolistischer Bildphase, inspiriert von der französischen Symbolik Eugène Carrières, einer Periode, die mit seiner Teilnahme an der Biennale 1912 endete und in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert wird.

Öl auf Leinwand. In der großen Außenszene sticht auf der linken Seite das Labor eines Hufschmieds hervor, der mit seinen Helfern die Hufeisen für ein Pferd bearbeiten will, während der Besitzer anwesend ist; in der Mitte kommen andere Ritter mit ihren Dienern, die zum Handwerker gehen; rechts ruhen einige bekannte Persönlichkeiten am Straßenrand. Im Hintergrund öffnet sich rechts eine große Flusslandschaft, links der Zugang zum Dorf, das von einem baufälligen Gebäude dominiert wird, in dem verschiedene bekannte Persönlichkeiten aktiv sind: die Frau, die ein Kind stillen will , während der andere Sohn läuft die Treppe entfernt, eine andere Frau , die Kleidung auf dem Balkon des auf Stelzen auf dem Felsen gebaute Hauses hängen, während ein Mann den Leiter klettert. Es ist ein Werk, das mit großer Wahrscheinlichkeit von einem in der Lombardei arbeitenden flämischen Autor geschaffen wurde. Einige Hinweise auf Kleidung und Bauarbeiten weisen sicherlich auf eine nordeuropäische Kontamination hin, während andere Details auf den lombardischen Standort hinweisen. Das Gemälde stammt aus einer repräsentativen historischen Residenz einer lombardischen Adelsfamilie. Noch auf der ersten Leinwand hat es einige Schnitte und ein Loch im unteren Band; auf der Rückseite einige Flecken von einer alten Restaurierung. Es wird in einem dünnen gleichaltrigen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große Szene spielt am Eingang eines Dorfes in der Nähe einer Raststätte für die Pferde: Zahlreiche Reiter stehen mit ihren Tieren, die von den Dienern und den Dorfbewohnern versorgt werden, die die Krippe mit Heu füllen; Einer der Diener rechts bringt die Tiere im nahegelegenen Bach zum Tränken. Im Hintergrund sind die Häuser des Dorfes entlang des Flusses angeordnet, der dann rechts in die hügelige Landschaft mündet. Es ist ein Werk, das mit großer Wahrscheinlichkeit von einem in der Lombardei arbeitenden flämischen Autor geschaffen wurde. Einige Hinweise auf Kleidung und Bauarbeiten weisen sicherlich auf eine nordeuropäische Kontamination hin, während andere Details auf den lombardischen Standort hinweisen. Das Gemälde stammt aus einer repräsentativen historischen Residenz einer lombardischen Adelsfamilie. Noch auf der ersten Leinwand hat es einige Schnitte im unteren Band. Es wird in einem dünnen gleichaltrigen Rahmen präsentiert.

Skulpturenprojekt

Bleistift auf Papier mit Wasserzeichen. Unten links signiert. Der Zeichnung liegt eine Authentifizierung auf Foto aus dem Archiv Fausto Melotti mit dem Code DIS 36 015 bei, die die Daten der Arbeit zeigt. Fausto Melotti war ein facettenreicher und sehr produktiver Künstler, und es ist fast unmöglich, seine Produktion mit einer bestimmten Technik oder einem bestimmten Thema zu verknüpfen, ohne nur einen Teilüberblick über seine künstlerische Vision zu geben. Die herausragenden Merkmale, die bei Melotti konstant sind, sind die Geometrie, das Studium der Abstraktion, das ihn dazu bringt, realistische, aber nicht wissenschaftlich genaue Elemente zu verwenden, und die Elemente so anzuordnen, dass sie an einen musikalischen Rhythmus erinnern, ein Detail, das auf seine Ausbildung als Musiker verweist Bildhauer, Maler, Musiker, Dichter, er fertigte zahlreiche Entwurfszeichnungen für seine Werke an. Das Zeichnen stellte für ihn eine grundlegende Übung dar, um den ursprünglichen grafischen Zug von Papierbögen in Skulpturen und Keramiken zu übertragen. Die Skulpturen, für die er am bekanntesten ist, bestehen aus geometrischen Elementen aus Metallen (Messing, Eisen und Gold), die zu dünnen Fäden verarbeitet werden und ätherischen, schwerelosen und fast zerbrechlichen Kompositionen Leben einhauchen. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Mittelitalien XVII Jahrhundert

Barockskulptur aus Walnuss, Mittelitalien 17. Jahrhundert. Die männliche Figur, die geschaffen wurde, um in einer erhöhten Position in Bezug auf den Betrachter gesehen zu werden und ursprünglich Teil einer größeren Skulpturengruppe zu sein, ist durch welliges Haar und Bart gekennzeichnet, wobei der rechte Arm zum Kinn geführt wird, während der linke in einer umhüllenden Position in der Handlung, ein Objekt zu stützen oder sich an ein Stützelement zu klammern; gekleidet in einen reichen Vorhang, der den oberen Teil der Büste und die Beine unbedeckt lässt, eines gebeugt und das andere ausgestreckt. Das Volumen und die Plastizität des Körpers, kombiniert mit dem durch die Drehung übertragenen Bewegungsgefühl, erinnern an die skulpturale Produktion des römischen Barock.