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Die Freuden der Mutter

Öl auf Leinwand. Anfang des 20. Jahrhunderts. Das Gemälde erinnert sehr detailliert an das gleichnamige Werk aus der Zeit um 1866. vom emilianischen Maler Gaetano Chierici, einem Künstler, der sich mit einer großen Produktion von Szenen aus dem bäuerlichen Leben einen Namen gemacht hat, festgehalten in rustikalen Innenräumen, interpretiert durch eine innige sentimentale Verbundenheit und einen klaren formalen Realismus, die von einer kleinen Welt erzählen, die glücklich und ewig ist heiter, ja oft trotz der Armut fröhlich, weil es keine gesellschaftliche Denunziationsabsicht gibt, sondern vielmehr die glückliche Vorstellung von Familie repräsentiert, die der Künstler hatte. Seine Gemälde waren beim damaligen Bürgertum so erfolgreich, dass sie in der eigenen Werkstatt des Künstlers und später auch von anderen Malern mehrfach reproduziert wurden. Chierici spielt die Szene fast immer in einer bescheidenen Bauernküche, voller Gegenstände, die bis ins kleinste Detail beschrieben werden, bevölkert von Kindern, die ihren täglichen Aktivitäten nachgehen, und von Erwachsenen, die sie glücklich und amüsiert betrachten: In dieser Szene, die an einem armen Ort spielt, a Eine sitzende Frau dreht sich und blickt die beiden kleinen Kinder mit zärtlich amüsiertem Lächeln an, das ältere steht da und stiehlt dem Kleinen den Schnuller, der auf einem Bett aus Decken auf dem Boden liegt und seine Händchen nach seinem Lustobjekt ausstreckt . Das Werk, die erste Leinwand, wird in einem geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Die Maske

Öl auf Leinwand. Das Gemälde greift ziemlich ausführlich das gleichnamige Werk des emilianischen Malers Gaetano Chierici aus dem Jahr 1869 auf, einem Künstler, der sich für eine große Produktion von Szenen aus dem bäuerlichen Leben etabliert hat, die in rustikalen Innenräumen festgehalten und durch eine innige sentimentale Verbundenheit interpretiert werden ein klarer formaler Realismus, der von einer kleinen, glücklichen und immer heiteren Welt erzählt, die trotz der Armut oft fröhlich ist, weil sie keinerlei soziale Denunziation zum Ausdruck bringt, sondern vielmehr repräsentativ für die glückliche Vorstellung von Familie ist, die der Künstler hatte. Seine Gemälde waren beim damaligen Bürgertum so erfolgreich, dass sie in der eigenen Werkstatt des Künstlers und später auch von anderen Malern mehrfach reproduziert wurden. Chierici stellt die Szene fast immer in eine bescheidene Bauernküche, voller Gegenstände, die bis ins kleinste Detail beschrieben werden, bevölkert von Kindern, die konzentriert ihren täglichen Aktivitäten nachgehen, mit Erwachsenen, die sie glücklich und amüsiert betrachten: Hier sehen wir das Kind, in das es plötzlich eintritt die Küche, trägt eine groteske Maske im Gesicht und erschreckt so seine kleine Schwester, die ihr Essen aufgibt, um zu rennen und sich an den Röcken ihrer Mutter festzuhalten, die am Herd beschäftigt ist, die ihren Sohn schimpft, während sie die Kelle schwenkt. Das Werk wird in einem geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand, auf Holz aufgetragen. Mittelitalienische Schule des 18. Jahrhunderts. Dargestellt ist die evangelische Episode, in der Jesus die Kinder bei sich aufnimmt und seine Jünger ermahnt, sie nicht wegzustoßen: „Lasst die Kinder zu mir kommen, denn ihnen gehört das Himmelreich.“ Die Szene ist voller Figuren, die sich überschneiden und ineinander verflechten: Im Vordergrund öffnet Jesus, rechts sitzend, seine Arme, um die Kinder willkommen zu heißen, die sich ihm nähern, von ihren Müttern gedrängt; im Hintergrund die Jünger, in der Mitte erkennbar Petrus, der versucht, einen Jungen wegzustoßen, doch ihr Blick ist auf Christus gerichtet, der sie ansieht und sie zur Aufnahme auffordert. Im Hintergrund der Szene taucht etwas Architektur auf, insbesondere sticht die Pyramide hervor, die symbolisch die Spannung, den Aufstieg nach oben, darstellt. In der Mitte des Gemäldes fehlt eindeutig die Leinwand, die durch Anbringen einer Holzplatte auf der Rückseite behoben wurde. Es weist weitere kleine, weit verbreitete Restaurierungsspuren auf. Es wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde befasst sich mit dem ähnlichen Werk von Paolo Veronese (1528–1588), das um 1560–70 entstand und heute im Prado-Museum aufbewahrt wird und von dem unser Gemälde die Komposition der Figuren übernimmt und dabei den gesamten Hintergrund und die Kleidung verändert der Persönlichkeiten. Veroneses Werk war so erfolgreich, dass es in seiner eigenen Werkstatt mit zahlreichen Variationen repliziert wurde: Unser Werk geht wahrscheinlich auf eine dieser Kopien zurück, die in einer späteren Zeit repliziert wurden. Die dargestellte Episode wird im biblischen Buch Exodus erzählt und erzählt von der Entdeckung des kleinen Moses, den seine Mutter in einem Korb am Ufer des Nils zurückgelassen hatte, um ihn vor dem Massaker an den Kindern Israels durch den Pharao zu retten; Die Tochter des Pharaos, die mit ihrem Gefolge zum Fluss ging, findet ihn, rettet ihn und adoptiert ihn. Die Figuren der Szene sind in Kleidung aus dem 18. Jahrhundert dargestellt, insbesondere das Kleid der Prinzessin zeichnet sich durch seinen Reichtum und Prunk aus; Das einzige exotische Element ist die Anwesenheit eines schwarzen Dieners in der Fortsetzung, während der Hintergrund ebenfalls auf eine nordeuropäische Landschaft mit dichter Waldvegetation verweist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem 11. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große, in einer hügeligen Landschaft angesiedelte Szene mit einem Dorf und Ruinen im Hintergrund links wird vollständig von der kompakten Gruppe zahlreicher lebender Figuren eingenommen: In der Mitte sitzt die Familie des Hirten und beobachtet seinen Begleiter, der das kleine Kind hält in ihren Armen in Windeln; Rundherum die Tiere, vom treuen Schäferhund bis zu den Tieren der Herde, Schafen, Ziegen und Kühen, auch in Ruhe. Hervorzuheben ist der große Naturalismus der Tierfiguren, der als Bildmodalität auf die Werke der Schule von Philipp Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli (1657-1706), verweist, dem deutschen Maler, der als einer der besten Tiermaler der Welt galt Italien im 17. Jahrhundert, gekennzeichnet durch die besondere Fähigkeit, an das Fell und das Aussehen von Tieren zu erinnern. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert.

Italien, des XX Jhs

Paar Konsolen im neoklassizistischen Stil, die auf Beinen mit Pyramidenstümpfen getragen werden. Sie sind geschnitzt, vergoldet und teilweise lackiert. Marmorplatte, eines der beiden Exemplare wurde restauriert.

350 x 263 cm

Amerikanischer Saruk-Teppich aus Baumwolle und Wolle, großer Knoten, manuelle Herstellung.

Ohne Titel

Öl auf Linoleum, mit folierten Styroporapplikationen. Auf der Rückseite signiert. Mit einer Authentifizierung des Aldo Mondino-Archivs. Der vielseitige Turiner Künstler Aldo Mondino hat seine künstlerische Forschung durch kontinuierliche Metamorphosen zum Ausdruck gebracht, die seine Produktion polymorph gemacht haben: ein unaufhörlicher Versuch, eine persönliche Antwort auf die Veränderungen zu finden, die in den Siebzigerjahren stattfanden, und zu versuchen, die Geschichte der Kunst mit Bildern koexistieren zu lassen von Massenkonsum, persönlichen Fantasien, Religion, Klassizismus, Mystik, Reisen in den Osten, Freunden und Kitsch. Sein hartnäckiger Drang, mit Materialien zu experimentieren – wie Kaffee, Süßigkeiten, Zucker, Schokoladenschmelzen aus seinem geliebten Piemont, aus Amerika importierten Marshmallows, Bronze, Blumen, streng blauem Bic, Keramik und Heraklit-Teppichen – zeigt seine Fähigkeit, Kunst, Handwerkskunst, Gemeinsames Leben, Natur und Religion in einen Dialog bringen. Alles gewürzt mit dem Einsatz von Ironie, um Konventionen mit Anmut zu entlarven. In den 1980er Jahren unternahm Aldo Mondino eine Reise zwischen Marokko und Palästina, die ihn so sehr prägte, dass daraus die Werkreihe der Derwische entstand, tanzende Motive auf Linoleum, die den für die türkische Tradition charakteristischen rituellen Tanz praktizieren durch die Ausführung flüssiger und kreisender Bewegungen. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Italien, Mitte XIX Jahrhundert

Großer geschnitzter und vergoldeter Holzrahmen. Italien, Mitte 19. Jahrhundert.